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Situé au 34 avenue de Wagram, à quelques centaines de mètres de l'Arc de triomphe,  cet hôtel porte bien son nom. 

Comme l'immeuble situé au 29 avenue  Rapp, il est issu  de la collaboration de l'architecte Jules Lavirotte et du céramiste  Alexandre Bigot.

Il reprend les techniques de construction de l'immeuble de l'avenue Rapp en substituant aux pierres de taille en façade, procédé très coûteux,  un parement de grès flammé.

L'effet est déjà décoratif, mais il est loin de résumer la richesse des éléments qui ornent la façade, avec des sculptures réalisées par Camille Alaphilippe et de la céramique qui s'impose sur l'ensemble de la surface, d'où le nom de ce bâtiment.

Quelques images valent sans doute plus qu'un long discours.

Ce portail monumental (de 12 mètres sur 10) se dresse square Félix Desruelles, au pied de l'église Saint Germain des Près. Tout de grès, il associe des couleurs harmonieuses, orange, bleu/vert, beige et des sculptures représentant des végétaux, fleurs et fruits dans la pure tradition de l'Art Nouveau. Un médaillon de femme et un bas relief complètent l'ensemble.

En haut de l'édifice, deux dates (1530 et 1900) et un nom : Sèvres.

La dernière date confirme, s'il en était besoin, le caractère Art Nouveau du portail. Elle évoque aussi la grande époque des expositions universelles. La signification de la première date m'échappe.

Le nom et les couleurs, les matériaux utilisés, la finesse des décors, tout est apologie d'un savoir faire ancien, celui de la Manufacture de Sèvres. Et le médaillon de femme au centre du portail n'est autre que l'allégorie de cet art de la céramique et de la poterie.

Deux évocations qui, une fois articulées, donnent la clé de l'énigme. Car ce portail est ce qui reste du pavillon des manufactures françaises, vitrine du savoir-faire, érigé près des Invalides pour l'exposition universelle de 1900. Il a été réalisé par l’architecte Charles Risler et le sculpteur Jules Coutan et façonné dans les ateliers de la Manufactures de Sèvres.

Trop beau sans doute pour être détruit, il devient propriété de la ville de Paris en 1901 et est installé en 1905 à la place qu'il occupe toujours. Une belle surprise dans le quartier de Saint Germain, à découvrir avant de visiter l'église puis de s'attabler juste en face pour prendre un café aux deux Magots, quand les habitués et les touristes se réapproprieront les chaises occupées depuis des mois par d'énormes ours en peluche.

Cette maison a été bâtie en 1912 à la demande de Kenjiro Matsumoto, un riche industriel, également fondateur de l'université technologique Meiji, devenue l'université technologique de Kyushu.

L'aspect de cette maison est manifestement d'inspiration occidentale, du moins pour son bâtiment principal qui apparaît sur la photographie. Il s'agit d'une des rares manifestations de l'Art nouveau au Japon, même si son apparence évoque davantage une sorte de synthèse entre la maison coloniale et certaines constructions régionales en France et en Europe.

Elle a été conçue par Tatsuno Kingo, un des grands architectes japonais de la période Meiji, également à l'origine de la gare de Tokyo ou de la banque du Japon pour ne citer que ces exemples. L'Empire du Levant s'ouvre à l'Occident, sans la moindre intention de devenir une colonie, et envoie ses élites étudier en Europe, au Royaume-Uni pour Tatsuno Kingo. 

L'influence occidentale apporte aux techniques de construction, de façon plus modérée à l'esthétique. 

Mais le japonisme a depuis longtemps ses admirateurs en Europe (dont Monet qui collectionnait les estampes d'Hiroshige) et aurait influencé les créateurs de l'Art nouveau.

Dès lors, la rencontre de l'Occident et de la culture traditionnelle japonaise peut donner lieu à une création originale, perceptible notamment dans la décoration de la maison Matsumoto, réalisée par Kubota Kosaburo et Aihara Unraku.

Dans cette maison de 625 m², actuel siège du club des industriels de l'Ouest, le bois, matériau traditionnel, est omniprésent dans la décoration.

Il en est de même du cercle (le plus souvent des fractions de cercle), qui adoucit l'aspect fonctionnel de certains éléments, dont la porte.

Les formes choisies évoquent à la fois le Japon et l'Art nouveau. C'est encore plus perceptible dans la chambre, avec ses panneaux peints, et dans les vitraux.

Plus que la fenêtre à proprement parler, c'est le décor de ses alettes qui attire le regard, une représentation en bleu et or de tournesols en céramique dans un superbe style Art nouveau.

Cette fenêtre appartient à la maison Geschwindammer, du nom de la riche veuve qui l'a fait construire en 1905 sous la direction, ou sans doute plus exactement la maîtrise d'oeuvre, des architectes Henri Gutton et Joseph Hornecker.

Une maison à découvrir au 6 ter du quai bataille, dont le nom rend hommage à la bataille de Nancy en 1477, où Charles le téméraire, qui souhaitait conquérir la Lorraine pour relier ses terres du Nord de la France et de l'Europe à la Bourgogne, a trouvé la mort. Mais ceci est une autre histoire... 

Comme elle aimait à la souligner, si elle est née aux Etats-Unis, c'est en France qu'elle a pu révéler son talent. Loïe Fuller est une parfaite inconnue quand elle arrive à Paris en 1892. Mais très tôt, elle s'impose comme une danseuse de la Belle Epoque, notamment dans les cabarets de Montmartre.

Loin du french cancan, elle créé et incarne un style  nouveau, qui sera vite imité.

Elle se distingue notamment en utilisant des voiles dans ses danses, qu'elle allonge grâce à des baguettes de bambou et dont elle souligne le mouvement par des jeux de lumière. C'est assez inhabituel à l'époque.

Loïe bouleverse les codes, libère un certain art de la danse, créé des effets de scène. Elle règne sur une équipe de régisseurs avant de créer une école de danse, loin des carcans... Elle s'intéresse à toutes les technologies de son époque, y compris le radium dont elle utilisera les qualités fluorescentes. Tout est mis au service du spectacle, et le résultat est fascinant.

L'exposition consacrée en fin d'année 2019 à Toulouse Lautrec évoquait cette personnalité, notamment la danse serpentine.

Ce n'est pas l'oeuvre retenue ici, extraite d'un film de 2017, où Soko, sous la direction de Jodie Sperling, danse à la façon de Loïe Fuller.

https://youtu.be/eAEurE4Mgo4

Loïe Fuller n'est pas une femme ordinaire et si elle exerce son art dans les cabarets, ce qui nuira sans doute à une certaine forme de reconnaissance, elle amène beaucoup à la danse et plus globalement à la performance scénique. Elle bouleverse l'usage de la lumière, la perception de mouvement...

Ses réalisations sont totalement novatrices et suscitent une véritable fascination.

C'est sans doute ce qui explique que de nombreux artistes ont essayé de traduire un peu de cette "magie".

Les affichistes sont les premiers, qu'il s'agisse de Dal ou Chéret, notamment, qui modifie la façon de présenter l'artiste, font également exploser les couleurs, soulignent la forme gracieuse de la femme qui joue avec ses voiles.

Les dessinateurs et les peintres s'essayent à l'exercice, non sans humour parfois, à l'exemple de Will Bradley, alors que Toulouse-Lautrec ne sait plus quelles couleurs adopter et décline de multiples tonalités la merveilleuse danseuse.

Pour Bernard Eilers, elle est une lumière vive au milieu de la pénombre de la salle de spectacle alors que Koloman Mosser retient le mouvement du voile, qui semble métamorphoser l'artiste en un animal volant. Et pour Pierre Roche, Loïe devient incandescente.

Ce dernier artiste est également sculpteur, une catégorie d'artistes plus sensibles à la façon de rendre le mouvement.

Pierre Roche s'y essaie bien sûr, mais également Louis Chalon, Micael Levy, Reisner Stellmacher, tout comme FR Larche ou François Ruppert Carabin.