Le blog de writings2

même si les fleurs qui la composent ne sont pas vraiment printanières.

C'est un bijou rare, délicat, finement ciselé et rehaussé de pierres qui sont comme autant de boutons de fleurs.

Il date de la dynastie Ming (XVIème-XVIIème siècles) et on imagine sans peine une des épouses ou concubines de l'Empereur de Chine, parée de cette coiffe somptueuse.

Les instruments de musique à cordes des 16ème et 17ème siècles (guitares, clavecins, cistres, luths), sont souvent décorées de rosaces en parchemin.

Le parchemin n'est pas ici du papier,mais plutôt une sorte de cuir très fin.

Grand amateur de musique baroque, Matéo Crémades a souhaité un jour créer sa propre guitare baroque. C'est de là qu'est né sa passion, un travail minutieux où le dessin, une rosace, prend forme par découpe dans une matière dont les couches sont juxtaposées.

Le résultat est surprenant, jouant parfois sur des effets de couleurs, comme les vitraux qui adoptent également cette forme.

Matéo Crémades est lauréat du concours Ateliers d'Art de France, catégorie Patrimoine.

Il décline également ses réalisations sous forme de cadres. Et pour en savoir plus : http://www.ateliermateocremades.com/

... Bien loin des dernières innovations technologiques...

Je vous invite en effet à remonter le temps et à partir en Papouasie Nouvelle-Guinée.

Nous voici dans le sud-ouest de l'Océan Pacifique, au nord de l'Australie et à l'Ouest des îles Salomon.

Une mosaïque ethnique où le groupe dominant sont les Papous, ce qui justifie le nom de ce pays, la deuxième partie (Nouvelle-Guinée) était le fait des Européens qui y ont débarqué.

Dans ces sociétés, le culte des ancêtres joue un rôle important.

Les appuis-tête participent à cette communion entre hier et aujourd'hui. En pierre ou en bois (comme les deux exemples photographiés), ils sont sculptés avec des motifs représentant l'animal symbole de l'ancêtre.

Et comme ils servent au repos du chef de famille, celui-ci entre plus facilement en relation avec ses ancêtres à travers ses rêves.

De beaux objets traditionnels, qui cèdent sans doute la place au confort des oreillers...

Le masque est commun à de nombreuses sociétés, avec une signification qui peut être totalement différente d'un lieu à l'autre. En Europe subsiste à notre époque le masque de carnaval, celui derrière lequel on se dissimule, ou au contraire on se fait remarquer, et qui permet de s'affranchir des interdits le temps de cette fête où l'ordre social s'inverse.

Il nous reste aussi le masque du clown, lointain avatar sans doute du théâtre grec, où le masque traduisait le comique, ou le tragique.

Mais le masque peut aussi traduire un statut ou un rôle social, permettre d'assurer un équilibre dans la société des hommes et en lien avec leur environnement, avec la nature comme avec les esprits, entre les vivants et les morts.

En Afrique, le masque joue ce rôle de médiation.

Parler de masques africains est sans doute très réducteur, car chaque pays voire chaque ethnie, dispose de codes qui lui sont propres, de modalités de représentation différentes, qui s'expriment notamment dans l'usage de formes géométriques, de références aux animaux, de traits plus ou moins ressemblants ou exagérés.

Tous les masques présentés ici, qui sont conservés au musée du quai Branly, ne font l'objet de que quelques explications, sans doute trop sommaires eu égard à cette diversités des peuples et des coutumes. Ils ont cependant en commun une présence incroyable.

Le premier masque, le masque de singe, est originaire du Mali et est utilisé pour représenter un des esprits de la brousse lors de funérailles. Le second, qui vient de Côte d'Ivoire, représente une créature hybride, entre antilope, panthère et crocodile. Il aurait été porté par des sorciers lors de cérémonies strictement masculines.

Le premier de ces trois nouveaux masques est originaire du Congo. Ses stries représentent soit les rayures de l'antilope, soit les galeries empruntées, dans les mythes des Songye, par les esprits venus fonder la confrérie, soit le parcours labyrinthique des initiés de cette société. La disparition des traditions rendent aujourd'hui difficile l'appréhension des motifs de certains masques et de leur usage.

Le masque Kwele qui le suit vient de la limite entre le Gabon et le Congo et incarne les esprits bienfaisants de la forêt, qui aident les jeunes à passer à l'âge adulte et les morts à passer vers l'au-delà.

Le dernier, toujours issu du Congo, servait aux séances de divination.

Les masques africains ont parfois été collectionnés par les artistes occidentaux de la première moitié du XXème siècle, sans doute pour leur aspect figuratif. Tel est le cas par exemple de ce masque Krou, que possédait Picasso, qui témoigne qu'un œil n'est pas nécessairement représenté par un creux, mais qu'il peut l'être au contraire par un rondin de bois qui sort du masque et occupe un espace plein. De quoi bouleverser la conception des formes...

Pour mieux en apprécier la diversité, en voici quelques autres exemples, simplement pour l'esthétique.

Ils s'appellent Juliette, Quentin, Anaïs, Thomas, Marie, Romain, Angélique... Travaillent le métal, le bois, les textiles...

Et ont pour point commun d'avoir été récompensés par l'institut national des métiers d'art ces dernières années pour leur talent.

Ma présentation est loin d'être exhaustive, ne retenant que les œuvres que j'apprécie le plus.

Les photographies sont signées Augustin Détienne ou les créateurs eux-mêmes.

Pour commencer, voici le travail de deux brodeuses aux styles très différents. La première, Angélique Chenesec, associe le métal et le textile, dans des créations originales. Voici une de ses trois variations autour du radiateur.

Ma fenêtre est un jardin de givre de Marie d'Urso est davantage une invitation à la rêverie, un joli songe blanc.

Les brodeuses n'ont pas l'apanage de la création textile, comme en témoigne cette création du modéliste Romain Dilange, une chromata dont la forme et les textures seraient inspirées des insectes.

Le bois inspire également les jeunes créateurs, qu'il s'agisse de l'exhausseur de rêves de Quentin Chapuis, où il devient un fauteuil moelleux, ou des éclats de vie de Juliette Sagot, qui est une célébration à l'art de la marqueterie et à la noblesse des essences.

J'aime beaucoup aussi le collier de roses d'Anaïs Coiffard, ou  Mursi, inspiré des masques africains, réalisé par Thomas Waroquier.

Et pour plus de réalisations, n'hésitez pas à vous rendre sur le site de l'INMA.