Le blog de writings2

Des petits métiers des années 1900 à Paris, ici le vendeur d'abat jour immortalisé par Eugène Atget...

... aux courtiers de la bourse de Paris, et à la corbeille aujourd'hui disparue, que Robert Doisneau nous offre en souvenir,   les photographies en noir et blanc constituent des témoignages de notre histoire...

Une histoire qui ne saurait se limiter à celle des métiers.

Parfois joyeuse et insouciante, à l'exemple de ces hommes et de ses femmes qui découvre le bonheur de quelques jours de vacances...

Un bonheur simple, sublimé par Henri Cartier Bresson.

Cette année 1936 est un thème apprécié de bien des photographes. Les vacances vues par Roger Viollet en constituent un exemple.

Mais si le noir et blanc souligne le bonheur, il témoigne également avec une acuité particulière de la guerre et de ses drames, y compris au moment de la Libération.

On pense bien sûr aux clichés de Robert Capa, comme celui-ci à Chartres au printemps 1945.

Le noir et blanc s'inscrit toutefois au-delà du temps. Il offre dans ses nuances de gris, une vision à la fois fragile et magnifique de notre vue, de notre environnement.

Cette immortalité fragile se révèle par cette photographie d'Edouard Boubat.

 Ou dans le Paris embrumé des années 1920 d'Eugène Atget.

Ce ne sont que quelqes clichés, quelques noms, dont la liste est loin d'être exhaustive, de passionnés, mais qui ont fait de la photographie en noir et blanc un véritable Art.

Le casse-tête de la semaine (ou de la quinzaine) et ceui-ci en particulier, est toujours l'occasion d'ouvrir des boîtes pour en découvrir de nouvelles, de multiplier ainsi les découvertes d'univers ou les occasions d'y revenir.

Les poupées peuvent être des souvenirs d'enfance. Elles peuvent aussi s'installer dans le quotidien et témoigner d'une créativité voire d'une certaine poèsie.

J'ai été touchée par les créations de quelques artistes d'aujourd'hui, des femmes qui créent des poupées de collection pleines de grâce et de mystère. Je vous propose de partir à leur découverte.

 Celle-ci est peut-être ma préférée. Créée par Laurence Ruet, elle interpelle par sa ressemblance avec un enfant, dans le visage rond, les lèvres charnues, le nez, les taches de rousseur et l'allure générale. La petite fille semble perplexe mais la question est prête à fuser... Elle nous projette dès le premier regard dans son univers enfantin, avec des rires et un rien d'espièglerie...

En comparaison avec cette frimousse, toutes les autres poupées semblent bien sages...

Tel est le cas chez Bets et Amy Van Boxel, même si leurs poupées partagent un même  réalisme et s'inspirent d'enfants.

Sans doute parce que les modèles sont issus du monde entier, et que tous les enfants ne jouissent malheureuseent pas de la même insouciance. 

Ici, la poupée devient un témoignage un regard bienveillant sur un être mais aussi sur sa culture.  

Cette poupée est également un hommage à l'artisanat de l'Amérique latine, à ses couleurs et à une joie de vivre qui transparait dans le visage de l'enfant comme dans cette musique qu'elle nous offre.

Avec Martine Brettar Jansen et surtout Héloise, la poupée redevient un bel objet d'ornement, gracile, fragile, tout en délicatesse.

 Les poupées de Martine Brettar Jansen sont en porcelaine. Les articulations sont aussi mises en relief. Les visages sont lisses, purs. La finesse des mains, l'expression des visages peints ajoutent à cette impression de douceur et de délicatesse.

Autant de qualités qui se retrouvent dans les poupées d'argile d'Héloise.

Le teint d'opaline, le caractère précieux des dentelles ou étoffes, la sophistication d'une chevelure soyeuse concourrent à la féminité et à l'élégance des créations.

Des créations superbes, juste un peu trop sages à mon goût, précieuses. Je concluerai donc avec une petite touche de magie en vous présentant une créature mutine issue du monde féérique de Diane Guelinckx de Becker.

 Des ailes minuscules, un sourire malicieux et tout un monde prend vie, qu'il est possible de venir admirer à l'entrée de l'hiver à Eschwege en Allemagne, au milieu d'autres créations d'artistes.

Cette jeune femme a la grâce, la fragilité d'une poupée, sa beauté presque iréelle et peut-être aussi une garde robe originale et bien remplie.

Là s'arrête sans doute la comparaison...

Cette russe, Lubov Tchernicheva, a été une des danseuses étoiles des ballets russes de Diaghilev.

Elle a contribué, comme ses collègues dont le plus connu est sans doute Nijinski à apporter un nouveau style, au-delà du monde de la danse classique. 

Le répertoire mis en scène est dansé sur des musiques de Stravinsky (l'oiseau de feu), Moussorgski, autant de musiciens considérés aujourd'hui comme des classiques.

Les pièces présentées sont toutefois originales. Les danseurs y acquièrent une place nouvelle, à l'égale des ballerines. Les danses polovtsiennes du Prince Igor mettent ainsi en scène un chef de guerre qui incarne la violence et l'esprit de sédition, le tout porté par la fougue d'Adolf Bohm.

Les réactions sont nombreuses dans l'Europe des années 1910, d'autant que la nouveauté est également marquée par les costumes, et les décors.

Les décors sont immenses et doivent être régulièrement changés car ils sont difficiles à déplacer. Nicolas Roerich a beaucoup contribué à l'impression d'exotisme des ballets, détachant des isbas des décors peints.

Et bien des noms célèbres ont réalisé des décors pour les ballets russes à l'exemple d'Alexandre Golovine, de Marcel Utrillo, de Léon Bakst, de Robert Delaunay et de Pablo Picasso.

Avec les ballets russes, l'Europe découvre une autre Russie, sans doute avec un rien de tradition et d'exotisme, mais aussi une capacité à innover et à bousculer bien des idées reçues.

La naissance de l'art nouveau coïncide avec celle des grands magasins. L'affiche devient un support publicitaire de premier ordre (à l'exemple des oeuvres d'Alfons Mucha) et les premiers catalogues se développent pour vanter les mérites de nouvelles gammes de produits (du mobilier par exemple).

Le vitrail s'émancipe également des édifices religieux et s'impose chez les particuliers, dans les grands magasins, les banques, les chambres de commerce (à l'exemple des vitraux de Jacques Grüber qui valorisent les métiers de la sidérurgie).

Sous le dessin d'Henri Bergé, il devient lui-même un support de la publicité.

Henri Bergé est dessinateur. Il collabore notamment avec la maison Daum, comme Jacques Grüber l'avait fait avant lui. Certains de ses modèles serviront à Amalric Walter 'verrier) et aux frères Mougin (céramistes).

Il est aussi à l'origine de plusieurs affiches et de vitraux.

Parmi ces derniers, Henri Bergé réalise toute une série pour la cure d'air  Trianon à Malzéville près de Nancy. Ce lieu est une guinguette d'été, un lieu où l'on danse (en terrasse) et où on peut boire (au rez de chaussée).

Il reste de ce lieu, très à la mode entre 1902 et 1907, une structure métallique. A l'époque, la brasserie est ornée sur trois murs d'une vingtaine de vitraux publicitaires, vantant différentes marques : fine champagne, guignolet, absinthe...

 La cure d'aire Trianon a fermé en 1907 et les vitraux ont souffert du temps. Ils ont été retirés de leur structure d'acier pour être précieusement conservés. Quatre ont malheureusement disparu.

Il est parfois difficile de comprendre et d'apprécier une oeuvre, notamment contemporaine, faute de clé.

Les statues de Tony Cragg, qui peuvent être monumentales, en constituent un exemple. Ce sculpteur travaille sur une forme originale, qu'il développe, en la déformant et/ou en la multipliant, jouant également des effets des matériaux qu'il utilise. Certaines sculptures peuvent aussi être réalisées en négatif, c'est-à-dire en partant de l'intérieur et en allant vers l'extérieur.

Les réalisations de Tony Cragg sont nombreuses et souvent complexes. Je n'évoquerai donc qu'une infime partie de ses sculptures, à l'exemple de celle présentée dans la première photographie.

La forme originale est un visage, ou plus exactement un profil, déclinédans des mimiques différentes et en plusieurs autres visages, au moins trois, mais peut-être davantage.

Ce peut-être une réappropropriation moderne du thème de prédilection d'un sculpteur du XVIIIème siècle, développé notamment dans ses têtes de caractère, ou des expressions de visage sont représentées, portées parfois jusqu'à des degrés extrêmes.

Chez Tony Cragg, le visage devient aussi caricatural. le jeu dans l'espace est toutefois différent. Il n'y a plus un individu, mais une multiplicité, ou peut-être est-ce le même sous différentes facettes.

Les dessins préparatoires font apparaître cette structure.

Un assemblage complexe, qui devient difficilement déchiffrage dans l'oeuvre à proprement parler, comme on peut le constater avec la photographie suivante. Ce n'est pas un amalgame parfaitement identique (deux oeuvres différentes sont présentes), mais il permet de comprendre le travail de l'artiste.

Je vous laisse apprécier... Aussi compter si vous le souhaiter le nombre de visages ...